A Milano, dal 2 al 5 febbraio approda Affordable Art Fair

Dimenticatevi l’arte come un qualcosa riservato a quei pochi che, in tempi bui come questi, possono avere ancora la leggerezza d’animo di aprire il portafogli ed investire, acquistandola. A Milano, dal 2 al 5 febbraio, torna la seconda edizione italiana di Affordable Art Fair, la principale fiera internazionale d’arte contemporanea al di sotto dei 5.000 euro.

L’esperienza della fiera d’arte contemporanea assume così toni più digeribili e informali. In uno spazio di 4000 metri quadri, i visitatori potranno avere il tempo di ammirare in tutta tranquillità, le opere d’arte esposte, incontrare gli artisti, fare esperienze di workshops creativi, aperti anche ai più piccoli e sentirsi meno in colpa quando pagheranno per acquistare l’opera prescelta.

I prezzi saranno obbligatoriamente esposti, e tutto questo sempre in nome della chiarezza assoluta e del rapporto one-to-one tra creatore e compratore.

E ancora seminari sull’arte e sulla sua gestione, distribuzione e fruizione, esperienze di slow-art e slow food con performances artistico culinarie. Tra queste  “Non ci sono più le crisi di una volta”, a cura di Vito Gionatan Lassandro, nella quale l’opera d’arte si ritorce contro l’artista mentre quest’ultimo cerca di insegnarle come ci si comporta ad un’inaugurazione. Un gioco di metafore culinarie post–moderniste, artistiche e del teatro del (quasi) assurdo, che rivelano tutta la“deperibilità” dell’arte contemporanea.

Oltre ad essere una fiera internazionale dai numeri importanti che contribuisce ad avvicinare un pubblico più vasto e soprattutto piùgiovane, con i costi delle opere esposte niente affatto proibitivi, oltre ad inserirsi nella contemporaneità tramite tanti piccoli accorgimenti quali una Wrapping Station, che offrirà un servizio di imballaggio per portare direttamente a casa le opere acquistate, l’AAF offre l’impagabile opportunità per dei giovani artisti eccellenti ma non rappresentati da alcuna galleria di essere scelti da un board di esperti ed avere la possibilità di esporre e vendere durante la fiera, con l’iniziativa denominata “AAF cerca Young Talents”.

L’Affordable Art Fair rompe così certe liturgie proprie delle fiere d’arte più “blasonate”. E lo fa mescolando l’arte con le degustazioni, offrendo videoproiezioni e Dj sets per le prime due serate di inaugurazione (1 e 2 febbraio), disperdendo l’alone sacro ed acquistando un valore di socializzazione e creando anche, in un certo senso, cultura stimolando curiosità anche solo tramite il mero divertimento.

Il prossimo appuntamento sarà a Roma, dal 26 al 28 ottobre 2012, presso il Macro Testaccio – La Pelanda.

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Grammatica e parità dei sessi. Continua il dibattito in Francia

“Il genere maschile è considerato più nobile di quello femminile a causa della superiorità del maschio sulla femmina.” Con queste parole, lo studioso di grammatica Nicolas Beauzée ribadiva, nel 1767, la “mascolinizzazione” della lingua, in questo caso francese. Senza se e senza ma.

Eppure, questa mascolinizzazione, in particolar modo degli aggettivi, non era contemplata dagli antichi, né dai Greci né dai Latini, ma nemmeno dagli autori del Rinascimento i quali, spesso, si servivano della regola della “prossimità” nella quale l’aggettivo si accorda al genere del soggetto più vicino.

Salta agli occhi come, nei periodi storici dove la sessualità era decisamente più fluida e meno codificata, la lingua ne fosse uno specchio chiaro. Con il cambiare dei costumi ecco che il linguaggio si adatta automaticamente.

E’ pur vero, dicono in Francia, che la lingua è un’eredità culturale di non poco peso e che a vegliare su di essa c’è la compatta compagine dell’Accademia Francese, con i suoi paladini dell’ordine linguistico prestabilito, i quali hanno seccamente respinto, o, nel migliore dei casi, mandato giù a forza, i cambiamenti linguistici proposti nel corso degli ultimi vent’anni. Perché “l’Accademia non segue le mode”.

Lasciando da parte le solite considerazioni (sulle) femministe, quella francese è una riflessione molto più profonda, che va ad analizzare anche gli inevitabili rapporti di potere e sopraffazione che caratterizzano la nostra epoca  e che vanno a rispecchiarsi proprio nell’uso di un linguaggio che continua a preferire un’aggettivazione maschile anche quando soggetti di questo genere, in un gruppo, siano di meno rispetto a quelli di genere femminile.

Jacqueline Costa–Lascoux direttrice della ricerca per il Centro Nazionale della Ricerca Scientifica afferma che: ”Questa regola grammaticale che instaura la dominazione del maschile sul femminile è storicamente molto datata. La lingua è l’architettura del pensiero. Siamo nel XXI secolo: adottiamo la regola della prossimità che è più semplice e più gradevole anche esteticamente. Suona meglio all’orecchio, offre più libertà nella scrittura e, soprattutto, è più egualitaria.”

A questo proposito, associazioni come L’egalitè, c’est pas sorcier (L’uguaglianza, non è poi tanto difficile), la Ligue de l’Enseignement, Le Monde Selon Les Femmes e Femmes Solidaires hanno lanciato una petizione online “Che maschi e femmine siano belle” che ha già raccolto più di 3.300 firme, affinché venga adottata la regola di prossimità.

Si tratterebbe di una rivoluzione importante poiché noi tutti apprendiamo la lingua fin dalla più tenera età, ed è la lingua, nelle parole di Henriette Zoughebi, Vice Presidente in carica dei licei per il Consiglio Regionale de l’Ile–de–France che “permette di dire ciò che è reale, è lei che trasforma, o meno, le cose. Se vogliamo dare visibilità alle donne nello spazio sociale, bisognerà adottare la regola della prossimità che è, al tempo stesso, semplice ed elastica: ridà libertà e gioco al linguaggio stesso.”

Non si tratta affatto, come qualcuno potrebbe pensare, di femmine che vogliono sopraffare e tacitare i maschi ma semplicemente di un”pareggiamento di conti”, di tarare in modo più equo la bilancia sociale anche attraverso modifiche linguistiche.

Il fondatore della piccola casa editrice francese Cogito Ergo Sum ha deciso di utilizzare la regola grammaticale della prossimità e, all’inizio di ognuno dei quattro libri pubblicati a partire dalla sua fondazione nel 2011, c’è una nota che recita così: “Non si può parlare di uguaglianza tra uomini e donne senza porsi il problema del linguaggio.“

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Non solo sui social networks. La rivoluzione si racconta anche sui muri

La “primavera araba” è esplosa e continua a corrrere su internet, tramite twits in tempo reale, video caricati su youtube, dove la rabbia e la voglia di cambiare si scontrava con l’orrenda macchina di chi la libertà non lo ritiene un bene inalienabile, ma un qualcosa di pericoloso, di mortale, quasi blasfemo.

Lo street artist Ganzeer al lavoro sulla sua ultima opera al Cairo

Ma le testimonianze di quest’onda in piena che continua e si ingrossa, malgrado i riflettori abbiano iniziato ad affievolirsi, non si riducono alla sola capacità di utilizzo dei social networks.

Si lasciano anche sui muri, sulle pareti buttate giù a colpi di mortaio, pezzi di architettura crivellata, inquietante memento che le guerre, in realtà, non finiscono mai. Possono addormentarsi per un pò, salvo poi risvegliarsi, e sempre per tempo.

Muri sfigurati che diventano tele, anzi, il playground di quelli che noi chiamiamo “graffitari”, “imbrattamuri” o proprio “delinquenti” quando la simpatia viene meno.

Al Cairo, così come in Libia, fino a spingersi oltre le barriere dell’Arabia Saudita super conservatrice, dove fare certi “giochetti” può essere veramente pericoloso.
Immagini che raccontano la rivolta, che ricordano i morti, utilizzando metafore, simboli, scritte, utilizzate come “pillole galvanizzanti” che hanno richiamato alla rivolta, alla battaglia.

Giovani artisti di strada, calati nella realtà, che hanno appoggiato questa rivoluzione non solo aderendo al pensiero, ma offrendo alla causa la loro arte come viatico.

E’ fortissima la valenza “sociologica” di questi graffiti, che se da noi, fatte salve le solite eccezioni, hanno da tempo perso di ogni significato e valore, qui, nei luoghi dove ancora tutto è in corso, ancora tutto è da fare, da portare a termine, da cambiare, rappresentano più di quello che si possa cogliere ad un primo sguardo, per quanto attento esso sia.

Il 12 e 13 gennaio scorsi, al British Museum e al Royal College of Art di Londra si sono tenute due giornate di dibattito sul mecenatismo artistico in Medio Oriente, presieduto dalla Serpentine Gallery, dove il tema della portata sociale di questi graffiti è stato ampiamente analizzato e discusso.

Immagini che non lasciano indifferenti, sono racconti veloci, testimonianze forti ed ambiziose, come il murales al quale Ganzeer, uno dei “graffitari”, sta lavorando, dedicato ad ognuna delle vittime dei 18 giorni di rivolte in Egitto, nel gennaio del 2011. Un lavoro impressionante, ma che dice anche molto su quali siano i sentimenti dei “ragazzi della primavera”.

La volontà, il desiderio lacerante di comunicare il cambiamento sperato e radicale, ma anche l’irriverenza della caricatura, specie in Libia, nei confronti del defunto Gheddafi, al quale sono state date, di volta in volta, le sembianze di un topo, di una scimmia, di un vampiro.

Graffiti che sono tutti da leggere come “mappe” nelle quali si possono intravedere contaminazioni culturali, nella “novità di stampo occidentale” del graffito e il modo di rappresentare i morti, gli sconfitti, i dittatori, il popolo.

Opere, queste, che chiedono di essere conservate, di diventare un museo della memoria a cielo aperto, in modo che non si dissolvano, che non perdano la loro forza nel momento in cui, come accade nel fluire della storia, cade la polvere della lontananza temporale.

Opere multifunzionali, che sostituiscono i socials quando si tratta di lanciare messaggi affinché la primavera non imploda e non perda slancio.Forse frutto della globalizzazione, di modelli importati, ma come in tutte le cose, è sempre l’uso che se ne fa a definirne i contorni.

(fonte immagine: http://www.csmonitor.com)

In Italia, il sistema museale ristagna nel caos più totale.

Museo MADRE, Napoli

Patrizia Asproni, presidente di Confcultura, individua il problema centrale del blocco dei musei nell’irrazionalità con cui vengono gestiti i rapporti tra l’istituzione cultura e gli erogatori di servizi, considerati alla stregua di “appaltatori” e non come partner paritari e collaboratori che dovrebbero avere un peso anche decisionale per quanto riguarda la gestione del museo.

A Vienna chiude il Museo Liechtenstein; sarà visitabile solo su prenotazione.

Si tratta nuovamente di una questione di cifre. E quando le cifre in questione sono spaventosamente inferiori a quelle preventivate e cioè 45mila visitatori all’anno, in media, contro un’aspettativa di 300mila, poco importa se i proprietari di questo museo privato viennese sia quella dei principi del Liechtenstein, non solo regnanti del piccolo principato, ma anche una delle famiglie di punta per quanto riguarda il collezionismo d’arte mondiale.

Si chiude. O meglio, si cambia strategia. E così, basta agli orari da “museo normale”. Dal primo gennaio di quest’anno, il Palais Lichtenstein, potrà essere visitato solo per appuntamento oppure potrà essere utilizzato per eventi privati – senza però rinunciare alle varie “notti dei musei“.

Riaperto nel 2004, dopo una chiusura  durata ben 66 anni (chiuse nel 1938,malgrado ospitasse la collezione privata “più bella del mondo”), ha avuto una vita assai breve e tormentata.

Johannes Schneider è il giovane direttore dimissionario dopo solo 124 giorni di incarico, dopo aver subito un rifiuto riguardante un progetto di rilancio che non aveva convinto Herr Johann Kräftner, austero direttore delle collezioni del principato.

A quanto pare sembra che questa decisione, che andrà a colpire anche un altro palazzo della nobile casata, il Liechtenstein Museum im Stadtpalais (situato nel centro di Vienna, palazzo ora in restauro e destinato ad essere un museo del Biedermeier: l’inaugurazione prevista per novembre 2012, si avrà nella primavera del 2013), sia stata la conseguenza di una gestione di “manica troppo larga”, un po’ troppo spensierata, magari a voler essere gentili “utopica”.

Ma si deve ripetere quanto già detto sopra: non basta essere qualcuno che “conta” per poter consentire ad un museo, privato per giunta, di sopravvivere. I costi dei restauri e delle manutenzioni sono alti e metterebbero alla prova chiunque.

Dunque, porte non chiuse, ma “socchiuse” per un museo che, forse, ha basato il proprio prestigio un po’ troppo sul “nome”, facendosene fanciullescamente distrarre, per poi svegliarsi bruscamente all’alba di un misero, sfrigolante fuoco artificiale di una crisi che non ha alcuna intenzione di risparmiare chicchessia.

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A Berlino “Werttransport”: in mostra i valori “nomadici”.

Werttransport è una parola tedesca che, tradotta, vuol dire “trasporto di valori”, oltre ad essere anche il titolo dato all’esposizione curata da Zara Audiello, appartenente alla  “realtà culturale” 22e37, organizzazione no-profit incentrata su arte e cultura nata nel 2009 attraverso l’incontro tra curatori, artisti e giovani operatori, impegnati a riflettere sul tema della mobilità con centri a Milano, Berlino, Barcellona e Venezia.

Questo “trasporto di valori” verrà ospitato da sabato 14 gennaio a sabato 11 febbraio presso la VBM Gallery di Berlino.

I valori che verranno metaforicamente rappresentati da opere  “facilmente trasportabili, smontabili, maneggevoli” sono quelli che, attraverso la condizione “nomade” dell’artista, vengono trasportati dall’arte quando questa allarga gli orizzonti, contaminando e facendosi contaminare dalle culture che la toccano e che essa stessa va a toccare. L’eterno gioco dei rimandi.

Si dice che l’arte è spesso figlia e specchio dei tempi, ecco dunque la riflessione di un folto nucleo di artisti quali Rebecca Agnes, Kristine Alksene, Elena Bellantoni, Danilo Caposeno, Luis De Matos, Marco Giani, Irma Markulin, Stefania Migliorati, Marco Pezzotta e Ivana Spinelli sull’idea di una mobilità che non sia “portatrice del demonio” (lo stesso San Tommaso D’Aquino puntò il dito contro gli artisti di strada itineranti definiti emissari del Maligno) ma che ripulisca l’aria intorno a sé.

In quest’ottica è caduta anche la scelta della città destinata a contenere l’esposizione, Berlino, centro di sperimentazione ed innovazione e curiosità culturale per eccellenza e, come sottolineato anche dagli organizzatori, una specie di “torre d’avorio” intonsa, incontaminata dalle brutture di una globalizzazione culturale sciatta, che appiattisce e sterilizza, sogghignante come la peggiore delle iene e che, come ha dichiarato recentemente il noto gallerista Mr. Saatchi, si ingozza vergognosamente di false mitologie create ad arte da personaggi incompetenti.

Ricapitolando: se passate per Berlino, o se vi avanza un week-end e volete andarvene a vedere qualcosa che possa stimolarvi anche solo una domanda, andate a dare un’occhiata a questo Werttransport. Chissà che non troviate, in quest’esposizione, la voglia di gettare al vento qualsiasi tipo di noiosa stanzialità fisica e mentale.

Dalle pagine del  Guardian, “J’accuse” contro il mondo dell’arte contemporanea

Charles Saatchi non è amareggiato. Charles Saatchi non è sconfortato. Charles Saatchi è schifato. Che è ben peggio.

Per i “non addetti ai lavori”, Mr. Saatchi è un cittadino britannico di discendenza iraqena, collezionista d’arte e gallerista di fama mondiale, e “sponsor” del premio YBAs (Young British Artists).

Mr. Saatchi ha perso la pazienza e i freni inibitori e ha affidato alle pagine del Guardian un suo personalissimo sfogo contro questo suo mondo – inclusi la “flora e fauna” che ne fanno parte.

E non si salva nessuno. Il punto cercando di riassumere, è che, questa volta, non è colpa degli artisti se l’arte contemporanea è andata dov’è andata, ma di tutto quel contorno fatto di collezionisti, galleristi e curatori, definiti dal collezionista nei modi più vari e meno lusinghieri.

La crisi, per Saatchi, affonda le sue radici nell’ignoranza boriosa dei ricchi collezionisti che acquistano opere d’arte solo per la patinatura “glamour” con la quale certi galleristi le ricoprono, creando una mistica che niente ha a che vedere con la qualità, quanto con un volgare display di benessere economico e di “coolness” relativi al possesso e non alla capacità di apprezzare un prodotto artistico.

Lasciando stare poi i curatori, che Saatchi taccia di essere degli insicuri incapaci di riconoscere il valore di quello che hanno davanti e che, per ovviare a questa loro mancanza, si buttano a corpo morto su installazioni post-post-moderne, che altro non sono che un pastiche di robaccia incomprensibile ai più e apprezzabile solo da altri curatori altrettanto miopi.

La polemica, o meglio, l’analisi di Saatchi risale al due dicembre scorso,  ma, inutile dirlo è continuativa ed estendibile anche all’arte “nostrana”.

L’ Italia infatti non è di certo esente da queste pecche – con l’unica differenza che, ancora, l’arte contemporanea giovane e di penultima/ultima generazione ancora annaspa ed arranca anche solo per riuscire a conquistarsi un posto di rilievo all’occhio del grande pubblico.

Charles Saatchi non hai mai giocato “sicuro” quando si è trattato e si tratta di arte, anzi, è sempre uno che si è esposto al rischio proprio perché mosso da uno spirito quasi “vocazionale” nei riguardi di quello che, secondo lui, era un ottimo strumento per ampliare l’interesse nell’arte contemporanea.

Certo, per qualcuno come Jonathan Jones, giornalista e critico d’arte britannico, che, pur condividendo, in un certo senso,  lo sfogo e le basi dalle quali si muove Saatchi, questo “J’accuse” ha una pecca di fondo, ossia sembra non rendersi conto del fatto che, alla fin fine, non si vede alcuna “rivoluzione” artistica alle porte.

E forse, a pensarci bene, visti gli acquitrini nei quali si è andata ad impantanare la “zattera”, è meglio così. In attesa di qualche nuovo messia sfacciato che ridia un senso a tutta questa eruzione creativa.

(fonte immagine: http://www.artribune.com)

Per approfondimenti:

www.saatchi-gallery.co.uk

www.saatchi.com

www.saatchionline.com

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Fino ad aprile, l’arte si fa corpo ed il corpo si fa arte al Madre di Napoli

Quelli che hanno studiato il teatro non-occidentale, specie quello asiatico, sanno che c’è un comportamento quotidiano e un comportamento extra-quotidiano (comportamento che include gestualità e ritualità varie) ed è proprio in quest’ultimo che, per tradizione, si colloca la performance , il “rito del corpo allo stato di oggetto d’arte”, quindi malleabile, duttile, arrendevole alla volontà del performer, come materiale ultra-plastico e dotato di innumerevoli sfumature come i colori usati dal pittore.

Insomma, è stata cosa acquisita anche in occidente, che l’atto performativo artistico si situi nell’ “extra-quotidiano”.

Questo fino a qualche tempo fa. Perché, oramai, l’arte (sempre in genere) si è spinta oltre questa barriera, scavalcandola con un agile saltello, per trovarsi in una terra di nessuno che viene riplasmata e ridefinita ogni qualvolta si profila un evento che coinvolga l’artista/performer nella sua totalità.

Su questo solco si colloca la super-rassegna-evento (super anche per quanto riguarda la durata), inaugurata il 7 dicembre scorso “Corpus-Arte in Azione” curata da Adriana Rispoli e Eugenio Viola e ospitata al Museo Madre di Napoli che raccoglie, quest’anno, per la sua terza edizione, una pletora di giovani artisti/perfomers/promesse della sperimentazione pervasiva a 360 gradi, oltre la quarta dimensione e la quarta parete, provenienti dal nostro Paese dopo aver ospitato idee ed azzardi creativi delle artiste latinoamericane, della Body Art e della musica underground nelle precedenti due edizioni.

In “Corpus-Arte in Azione” c’è la volontà e il desiderio di esplorare la “pervasività” nel quotidiano dell’arte come performance e viceversa, coinvolgendo l’innumerevole gamma di media oramai a nostra disposizione, ma con il preciso intendo di contestualizzare questo momento, privandolo, quindi, di slanci utopici, di voli pindarici verso un’astrazione a volte gratuita e puramente sensazionalistica.

Gli artisti scelti per questa edizione (Davide Balliano nato Torino nel 1983; Filippo Berta, Bergamo 1977; Cristian Chironi, Nuoro 1974;  Francesca Grilli Bologna 1978; Jacopo Miliani, Firenze 1978; Luigi Presicce, Lecce 1976; Rosy Rox , Napoli 1976) si servono della performance come mezzo privilegiato di espressione partecipativa e comunicativa, e della contaminazione tra teatro, cinema, musica, danza, tradizione popolare per riflettere ed offrire a loro volta spunti di riflessione sull’eredità e sulla continuità della Performance Art.

Spesso si rischia di creare, pur con le migliori intenzioni, degli atroci minestroni artistici privi di focus. Ma è anche vero che, senza il tentativo, la ricerca e anche e soprattutto, senza il fallimento, l’arte resterebbe alla purezza delle forme dell’etereo Neoclassico. Bello da guardare, ma dopo un po’ decisamente trasparente e “leggero”, come la grazia delle sue creazioni.

Per maggiori informazioni: www.museomadre.it

Fino al 29 aprile 2012, al MACRO Testaccio la mostra del fotografo Steve McCurry

La mia esperienza con Steve McCurry è partita, un po’ come una gran parte dei “comuni mortali”, da quella foto che apparve nel numero di giugno del 1985 del National Geographic e che ritraeva Sharbat Gula, all’epoca dodicenne (circa), vittima viva del conflitto che da sei anni spargeva morte a larghe e generose manciate nella sua terra, l’Afghanistan, iniziato nel 1979 con l’invasione sovietica e conclusosi dieci anni dopo. Una foto di un’apparente semplicità, eppure incredibilmente sconvolgente.

Per motivi squisitamente anagrafici non la vidi di prima mano, ma pochi anni più tardi. Onestamente non ricordo l’occasione, non ricordo come mi capitò sotto gli occhi. Resta il fatto che questo avvenne. Due profondi occhi verdi, incastonati in un volto bruno dai tratti squisiti, anche se già ombreggiato di vita, di fuga, di guerra.

Ma Steve McCurry non è solamente la foto di Sharbat. Steve McCurry, nato nel 1950 a Philadelphia e vincitore diverse volte di quello che viene definito il “Nobel della fotografia” e cioè il World Press Photo Award,  è un uomo che ha girato il mondo in ogni angolo, catturandone con una introspezione commovente, i colori, le ombre, le sfumature, fotografando conflitti dall’Afghanistan, a Beirut, dalla Cambogia al Kuwait, fino alla ex-Jugoslavia.

Rischiando e amando quello che stava facendo: fotografare la vita, fotografare la morte. E tutto quello che in mezzo si trova e prolifera.

A Roma, allestita negli spazi espositivi della Pelanda al MACRO Testaccio, fino al 29 aprile saranno esposti oltre 200 scatti di questo “fotografo errante”, più innamorato dell’India che dell’occidente “americano”, che ha imparato ad essere paziente perché: “Se aspetti abbastanza, le persone si dimenticano la macchina fotografica e la loro anima comincia a librarsi verso di te”.

La mostra è curata da Fabio Novembre, che si è occupato anche di creare un allestimento basato sul rapporto soggetto-emozione, in uno spazio espositivo che, nel ricreare un villaggio nomade, cerca di proiettare il senso di umanità che si respira nelle opere di McCurry.

Non c’è solo il passato di Steve, ma anche il presente, con i lavori che vanno dal 2009 al 2011, tra cui il progetto “Last roll” con le 32 immagini scattate in giro per il mondo utilizzando l’ultimo rullino prodotto dalla Kodak (di quel lancinante romanticismo che c’è in certi addii), i suoi viaggi in Thailandia e Cambogia con immagini dedicate al Buddhismo, un lavoro inedito su Cuba ed il personalissimo omaggio di McCurry all’Italia per il 150esimo anniversario con scatti realizzati in giro per il Paese, nel corso di quest’anno.

Per quelli che non hanno ancora avuto la fortuna di sfiorare l’universo di McCurry, questa mostra sarà solo il punto di partenza; per chi invece già lo ama perché nei suoi colori vibranti, nei suoi scatti fulminanti, trova ancora un senso di commozione profonda e senza sovrastrutture, si tratterà semplicemente di continuare il viaggio.

Per maggiori informazioni: www.stevemccurryroma.it

www.macro.roma.museum

www.stevemccurry.com

L’approccio dell’architettura nei confronti di essa stessa medesima è spesso contrassegnato da svariate contraddizioni di svariato tipo. Da una parte c’è chi cerca di far coniugare (troppa) innovazione e bellezza, mentre dall’altra, abbiamo una schiera sconfinata di “palazzinari” senza scrupoli che infettano ed infarciscono il nostro Paese (restiamo a casa nostra, per ora), di “mostri edilizi” di vario genere e natura, completamente dimentichi del paesaggio, anzi, considerandolo quasi come un intralcio ai loro progetti.

The Big Crunch Darmstadt, raumlaborberlin

Si crea quindi un gap, assai difficile da riempire, che lascia con molte domande ancora in attesa di risposta e ci si ritrova a pensare a come riqualificare certe aree sfigurate dall’uso incauto di materiali e costruzioni.

La mostra (anzi, un vero e proprio evento, che tocca non solo l’idea espositiva in sé ma si rivolge attivamente ai fruitori tramite laboratori ed esperienze in “presa diretta”) “RE-CYCLE. Strategie per l’architettura, la città e il pianeta” si occupa anche (e non solo) di questo.

“Il riciclo non è […] visto nella sua accezione più nota di riutilizzo di materiali scartati ma come strategia creativa per una costante sperimentazione e rivisitazione di forme architettoniche paesaggistiche e urbane”.

Sono queste le parole di Margherita Guccione, Direttore MAXXI Architettura, che possono riassumere al meglio lo spirito di questa mostra titanica, curata  da Pippo Ciorra, senior curator del MAXXI Architettura, insieme con l’intero staff curatoriale del museo di architettura (Elena Montisi, Alexandra Kaspar, Alessio Rosati) e che raccoglie, con uno sguardo ampio e curioso, oltreché estremamente selettivo e quindi attento alla qualità della proposta,  80 disegni, modelli, fotografie, video, oggetti e due installazioni site specific.

La prima di una dei fratelli brasiliani Fernando e Humberto Campana curata da Domitilla Dardi e quella ad opera di raumlaborberlin, collettivo tedesco che presenterà il Padiglione Officina Roma, fatto di materiale riciclato (si possono seguire sul blog www.recyclab.it)

Pieter Hugo, Yakubu Al Hasan

Presente inoltre anche la mostra fotografica di Pieter Hugo (nato a Johannesburg nel 1977 e vincitore, nel 2006 del Word Press Photo 2006) dal titolo “Permanent Error” e composta da 27 scatti inquietanti che raccontano, tramite ritratti, un’enorme, apocalittica discarica tecnologica in Ghana.

E poi laboratori educativi in collaborazione con il MIUR.

Nelle parole di Pippo Ciorra: “Con RE-CYCLE il museo persegue tre obiettivi importanti per il suo futuro e la sua identità”. Questi obiettivi sono: una irruzione in velocità sulle questioni di massima attualità dell’architettura, in particolare la relazione complessa tra ricerca espressiva d’avanguardia, prossima all’arte e l’attenzione all’ambiente che si avvicina all’ecologia; ciò che gli architetti debbano intendere come “sostenibilità” in un Paese e in un continente già troppo costruito e la presa di posizione su tecniche e modalità di recupero dei nostri paesaggi e città, alla luce della scarsa efficienza di piani, programmi e altri approcci tradzionali.

Si percepisce subito, quindi, come questa mostra rifletta chiaramente il ruolo dell’arte e della cultura come enti formatori di cittadini consapevoli e contribuisca non solo ad ampliare la visione degli addetti ai lavori, ma si ponga come erogatrice di informazioni continue sia sull’innovazione e sull’importanza della riqualificazione dell’ambiente, del territorio e del paesaggio, ma anche come contenitore “storico”.

Si parla di “avanguardia” senza però smettere di essere calati nella realtà delle cose, anzi, si inserisce il concetto di avanguardia dritto dritto in questa nostra realtà, attraverso uno sguardo scientifico, in un certo disincantato, ma proprio perché alla ricerca di un’architettura che non sia semplicemente fine a se stessa o,peggio ancora, corrispondente ad esigenze poco “ortodosse”, ma che sia in grado, riappropriandosi di sè stessa e dei propri materiali, di correggere il tiro e le mostruosità che infarciscono la Terra.

Tutto questo tramite esperienze visive virali e pervasive.

Una mostra che diventa esperienza, un’esperienza che si trasforma in cultura, una cultura che si trasforma in consapevolezza attiva.

Da visitare, per riflettere ed imparare.

Per saperne di più: www.fondazionemaxxi.it